Volviendo de nuevo

Ando volviendo de nuevo a este pequeño espacio de aire propio. Han pasado dos años ya. Bienvenidos de nuevo queridos lectores infrecuentes y a mis ojos anónimos, pero no menos queridos debo admitir. Hoy, un poco más cambiado, más algomuyextraño, vuelvo como ustedes a este blog descuidado y olvidado con inquietudes. Ante el mundo de hoy, inmediato, torpe, veo con pasividad el cambio de las cosas, absurdamente acelerado, fácil, táctil, lleno hasta los poros de una sordidez que oscurece el encanto que a mis ojos tenía unos años atrás (tengo literal como dos años). Pero no crean que este tono existencialista durará mucho, no. Todo cambia y de seguro volveré en otro tiempo con un tono de color en mis pequeños textos. Tampoco puedo decir que estoy aburrido, más bien siento un estado de lentitud, con respecto a los últimos años de turbulencia y volatilidad. Si me preguntan (que seguro que no lo hacen) ando ya en un raro y extraño caso de equilibrio. Cómodo, muy cómodo en realidad. Salí hace unos meses de esas relaciones que te dejan en el mismísimo límite de querer estar a solas con lo que yo definiría como "lidiar conmigo". Eso hago, yo creo que por eso me va tan bien. Como que simplemente no me importa, es algo raro, me siento como una hojita. En fin, vine con intenciones de escribir acerca de arte, lo anterior es una jotería, un formalismo, así como un pequeño rayo de confianza entre tu y yo amigo lector. *Que ridiculez*

En este cambio de las cosas, más específicamente de la pintura de hoy en día, me encontré con una pregunta que tal vez comparta con otros pintores, que al igual que yo, tratan de ver a lo lejos  -y sin gafillas- cuál es el próximo paso a dar en la creación pictórica. Algunos han propuesto una fusión de lenguajes, un collage contemporáneo de prácticas pasadas. (Tal vez funcione, tal vez no, tal vez sea como un pequeño frankenstein andando a medio vivir). Otros consideran empezar por enfatizar el cubismo desde la academia (en vez de pintura naturalista a lo Miguel Ángel) y continuar post-academia por las últimas prácticas efectivas entro del arte contemporáneo como el expresionismo abstracto, el action-painting, o la "nueva figuración". Sea cual sea el caso, es curioso (ya entrados en gastos) preguntarse si al igual que hoy que la figuración está en boga, una fervorosa tendencia, un gusto inmediato así como todo en nuestra sociedad posmodernilla, la abstracción lo estará en un cierto y relativo corto tiempo. Yo le apuesto a que si. El arte en términos reduccionistas ha jugado siempre bajo los límites de una polaridad, sea cual sea en su momento; arte de la corte vs artesanía, escuela alemana vs escuela italiana, plástica vs conceptualismo, arte occidental vs oriental, vanguardia vs kitsch, plástica vs nuevos medios, land art y expresionismo abstracto vs arte feminista y de género, figuracción vs abstracción, expresión gestual vs planitud y hard edge, entre muchos cientos de otras opciones. Si de por si, ya existían los bien necesarios cambios de estilos y movimientos que duraban sus décadas, por qué no preveer una predilección en la plástica y la abstracción en específico para un futuro próximo. Si tenemos en cuenta la constancia y la frecuencia con la que la que una cara de la moneda se vuelve trending topic en este siglo mediático, eso va a pasar muy pronto. Yo que como otros pintores abstractos notamos la predilección hacia una figuración política, supongo que ahora la pregunta estaría en: cuando la abstracción vuelva a estar en la cima ¿qué la diferenciará del arte moderno y contemporáneo del siglo pasado? (ojalá que no sea generar experiencias espectaculares a lo reality show)

Desing and Feeling, Chad Wys, 2014.

Portfolio

https://www.behance.net/camilovilloria

Portafolio personal de Camilo Villoria

"There's plenty of money out there. They print more every day. But this work, it's only one in the whole world, and that's all there's ever going to be. Only a dummy would give this up for something as common as money."

Grandpa George
Charlie and the chocolate factory 

identitās

"identitās" es un proyecto realizado en 2013, que busca cuestionarse por las relaciones entre identidad e imagen en la actualidad.

La noción del álbum fotográfico es transladado al mundo virtual, donde las imágenes escaneadas de álbumes físicos son intervenidas digitalmente y reunidas en la web. Durante el proceso, la alteración de la relación entre el individuo y la imagen que lo representa se hace evidente.

Link de la obra: http://identidadesidentificacion.blogspot.com/

Untitled

{En vuelo

}

Fragmentarios II

De la serie Fragmentarios

Colectivo Paralelo 38

180 x 70 cms

2013

De la serie Fragmentarios

Colectivo Paralelo 38

180 x 70 cms
2013

Estudios para "Espacios duales"

¿Qué es el éxito?

¿Qué es el éxito? responde Rembrandt de manera retórica, cuando alguien más le comenta acerca de los pintores famosos. En este caso la pregunta de Rembrandt es la respuesta hacia lo que nadie se molesta por cuestionar. Se atribuyen el dinero y la fama por omisión, se da por hecho que el éxito es sinónimo de estos factores cuando no se analiza la función que tiene el tiempo en el posicionamiento de las cosas. Con esto, me refiero a que el éxito se ha considerado un plus de la materialidad cortoplacista (necesariamente efímera), dejando de lado al tiempo como ente regulador de lo que trasciende y lo que no. Tomemos como ejemplo el caso del mismo Rembrandt. Juzgado por su mismo medio como un pintor mediocre, Rembrandt sabe que sirve a intereses mucho más superiores que los que retratar el narcisismo de las clases dominantes sugiere. Sabe sin embargo, que el éxito no es una cuestión momentánea de modas e intereses de época, sino que por el contrario, depende del tiempo, ese filtro hacia lo que más adelante va a ser considerado relevante dentro de la historia. Así, aunque Rembrandt no hubiera sido bien valorado en su medio, sería uno de los pocos artistas que han visto la sensibilidad hacia lo intangible como un modo singular de ver  y que, aún hoy, lo diferencia de la mayoría de los artistas. Él simplemente se relaja, no tiene fortuna ni fama pero tiene visión. ¿qué es el éxito? responde y se pregunta Rembrandt. El éxito es el resultado de haber seguido su intuición, de inquietarse por aquello que los demás ignoraban, de labrar caminos propios en vez de seguir a los que están a la cabeza (incluyendo a los que manejaban (y manejan) el mundillo del arte). Seguramente si éste hubiera elegido pintar a la corte de manera que se vieran a sí mismos felices y gorditos, no sería considerado uno de los genios del arte occidental (una excepción dentro de la regla de la mediocridad). De este modo y por lo general el gran artista no tiene necesidad de ser reconocido dentro de su propia época, porque su pensamiento está más allá de lo que sus colegas pueden ver, dentro de lo que su medio, hambriento de experiencias light puede prever. Es el gran artista exitoso? todo depende desde dónde (cronológicamente) se elabore la respuesta, pues sin duda, el gran artista no pertenece a ningún canon, ninguna moda o convención particular, el gran artista es en sí mismo, tal y como sus obras no necesitan mediación. 

Como dicen por ahí "El tiempo es filtro que pone a cada quién en su lugar".

Memoria

Me la ví en francés. 

Ni en azul, ni en rojo, en francés. Y aunque mi francés es bastante malo, sorpresivamente entendí la película a grandes rasgos (a pesar que este no sea el meollo del asunto). Me enfocaré en lo único que me daba pistas certeras para sacarle provecho al contenido (consciente o inconsciente) de la película: el azul.

Empecemos con un ejemplo. La luz ligeramente fría o claramente azulosa alumbra su cara por la mitad, justo enseguida un corte de más o menos 5 segundos, para pasar al mismo encuadre con una iluminación diferente mucho más cálida. Un pequeño instante que se repite a lo largo de la película. Una ojeada rápida hacia el pasado sugerida por el corte de cinco segundos, que enfatiza además el carácter temporal de ese recuerdo. Me devuelvo. Mirada perdida de la protagonista. Luz azulosa. la escena se disuelve en un vacío en negro de cinco segundos. Aparece de nuevo el mismo encuadre pero con un cambio sustancial de iluminación. Nuevo enfoque en la mirada de la chica. Un lapsus mental, a todos nos pasa. 

Otro ejemplo. La chica entra al cuarto decorado todo de azul, se acerca lentamente hacia un móvil de piedritas azules de distintos tonos, lo mira por un tiempo, se aferra a varias de sus piezas y las arranca con fuerza. Más adelante, el mismo móvil aparece en el nuevo hogar de la protagonista, su vecina (la de dudosa reputación) va directamente a la habitación donde el móvil se encuentra, al observarlo toca sus piedritas y comenta sobre un objeto parecido que tuvo en su infancia. 

Tenemos entonces como resultado la conexión entre el color azul y la memoria,  no solo en el caso de la protagonista: el statement toma fuerza con todas las veces en las que aparece el color azul como parte importante de la composición de las imágenes, como si el director nos hablara directamente diciéndonos "recuerden, están viendo 'Azul'". 

Ahora bien, me interesa el carácter temporal de la memoria que se enfatiza en los diversos cortes de la película. Me recuerda principalmente a Krishnamurti hablando sobre el estado dual del pensamiento. A grandes rasgos, es algo parecido a esto. Por definición, La memoria está ligada al tiempo. El pensamiento deviene de la memoria porque está basado en la experiencia que se ha tenido en el pasado, por lo que, el acto del pensar es el movimiento que la mente hace desde la memoria (el pasado) hasta el presente. Para que haya movimiento, es necesaria la existencia de dos puntos diferentes (pasado y presente) y una mente que esté constantemente fluctuando entre estos dos puntos. De modo que, en términos generales el acto de pensar es un movimiento dual. Esto tiene que ver con la película porque es bastante pertinente la decisión de enfatizar el carácter temporal de la memoria. Además, considero que no es casual que en esos momentos en los que la protagonista se pierde en los recuerdos, la luz fría utilizada ilumina solo la mitad de su rostro. Pero bueno, esto es solo una hipótesis. 

Teniendo en mente esa relación azul-memoria-dualidad hay otro factor que acerca esa dualidad más hacia el campo de la melancolía. Otro ejemplo; minuto 46. La chica se sumerge en la piscina. una luz dura y claramente azul, llena toda la escena, realzando el azul del agua. Nada hasta el borde de la piscina y trata de salir. Apenas su cabeza sale del agua y sus brazos se apoyan sobre el borde, ya justo para alzar las piernas, un foco de luz cálida le pega en la cara. Se detiene en seco como si algo se lo hubiera impedido, mientras la música que acompaña la escena alcanza un momento de protagonismo (así bien dramático). Cierra los ojos y vuelve al agua lentamente quedándose sumergida. Recapitulemos un poco añadiendo la relación anteriormente dicha. El ser sumergido en el color azul (la memoria), en ese movimiento dual entre pasado y presente es incapaz de salir de ahí. Algo se lo impide (¿qué nos lo impide?) . Esa escena sí que es rara pero me pone a pensar en como nos comportamos a diario. Incapaces de dejar esos deseos por obtener cosas que teníamos en el pasado, queriendo que algo que nos pasó simplemente no hubiera sido o hubiera sido de otra manera, nos quedamos atrapados en el fango de nuestra propia memoria, envueltos en sentimientos duales (estoy bien y luego estoy mal) que rigen nuestra cotidianidad. (¿qué nos lo impide?) Y a pesar de que sabemos que ver el pasado con ojos melancólicos es un error, volvemos hacia el campo de la memoria una y otra vez, del mismo modo como la protagonista se rodeaba de azul. Chaquetas, pantalones azules, luces azules, carros azules, todo nuestro entendimiento acerca de las cosas está inundado de la memoria, de ese movimiento hacia el pasado que no nos deja ver las cosas con claridad al introducir el carácter subjetivo de nuestra propia experiencia. 

Cría cuervos...

El gran error del artista actual (y de hace algunos cuantos años) es precisamente hablar con las manos limpias: curadores, críticos, historiadores y artistas "contemporáneos", todos igualitos.. Estáticos y quemando neuronas sobre algo que está lejos del pensamiento racional. Y pues en últimas si no se hace, de qué se habla. Ante todo este debate (http://esfera-publica.org/detalles-de-un-festival-malpensante/) yo simplemente digo: "cría cuervos y te sacarán los ojos"...

Head

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 Head

Técnica: Acrílico y plata sobre gelatina.

Dimensiones: 16.5 x 25.5 cm

Año: 2012-13

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Mórula

M   Ó   R   U   L   A

Como una especie de cigoto, el ego desencadena una serie de mutaciones en un ser que se inscribe constantemente entre diversas ambigüedades. La transformación del tejido social dada por la generalización de los vicios de la conducta en la vida cotidiana, da como resultado un desarrollo social violentado y desconcertante. 

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I 

Acrílico sobre lienzo

100 x 70 cms

2012

II 

Acrílico sobre lienzo

100 x 70 cms

2013

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On Behance Network: http://www.behance.net/gallery/Morula/9805067
On StudentShow: http://studentshow.com/gallery/Morula/9805067
On The Creators Project Gallery: http://gallery.thecreatorsproject.com/gallery/Morula/9805067
On Pantone Canvas Gallery: http://canvas.pantone.com/gallery/Morula/9805067

Mórula by Camilo Villoria is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 4.0 Internacional License.

-Hecho para sentir-

Esta pieza es un site specific realizado en el Instituto Superior de Arte de La Habana en el marco del Taller- Residencia de Instalación y Performance (TRIP) que tuvo lugar en La Habana, Cuba entre junio y julio de 2013.

"Hecho para sentir" es una instalación que se realizó en una de las facultades abandonadas del ISA, donde el espacio ya desgastado por el tiempo, llevaba marcas y huellas de una población flotante, variable, siempre anónima. De aquí, que la intención principal de la obra fue remarcar y exagerar la noción de lugar habitado, tratando de plastificar; como una acción de conservación; los restos de las actividades que tuvieron lugar en esas aulas abandonadas.
Finalmente, la obra se nutre de otras interpretaciones introducidas por la adición de la lista de un viajero realizada a priori a partir de conceptos, prejuicios, intenciones y consejos ajenos de lo que sería su experiencia en Cuba.
El nombre de la obra surge de la apropiación del slogan de la marca de condones más utilizada en ese espacio.

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Hecho para sentir from camilo villoria on Vimeo.

Behance

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Más trabajos en Behance

• http://be.net/camilovilloria

SoundBox

Proyecto de exploración sonora realizado a partir de la programación en javascript de un teclado inalámbrico. 

SoundBox from camilo villoria on Vimeo.

NOTMYWORK: Fuerza Bruta

NOTmywork 

Como comenté hace ya bastante tiempo, de vez en cuando haré ciertas entradas del blog que, aunque no sean acerca de mi trabajo, hacen parte de ciertas experiencias visuales, audiovisuales (y cualquier otra combinación de otros medios posibles y por haber) interesantes y pertinentes para compartir. 

El recomendado de esta vez:

- FUERZA BRUTA -

Esta obra medio teatral medio performática hace parte de una de las más increíbles experiencias estéticas, sonoras y sensoriales que he tenido. Realizada por un grupo de argentinos en el 2005, Fuerza Bruta combina una propuesta sonora realizada a partir de sintetizadores, grabaciones y sonidos de diversos materiales con luces, reflectores, elementos fotosensibles y grandes estructuras que intervienen constantemente el espacio del público. Todo esto, con el fin de proporcionar una experiencia, si se quiere, un tanto más instalativa de modo que el dinamismo presente en la obra puede reflejarse kinestésicamente en el espectador. A pesar que los videos no transmiten exactamente lo mismo, se puede apreciar en buena parte la calidad estética y sonora de este gran trabajo. Espero que les guste. 

Primer y último manifiesto del crítico-acrítico

Por Camilo Villoria
Publicado en el Salón Tollota 2013

Imagen tomada de http://www.museodelprado.es/typo3temp/pics/fb42b77262.jpg

En primera estancia, el crítico-acrítico decide empezar su propia corriente crítica dados los estándares (o formas de comportamiento) insatisfactorios que encuentra en el medio artístico que conoce (¿qué conoce?).

En segunda estancia, recurre a la amarga idea de formular una especie de normativa que guie a los posibles críticos-acríticos afines a sus proposiciones altamente beligerantes y controversiales. Dada esta contextualización, el crítico-acrítico impone que:

1. El crítico-acrítico adoptará de forma voluntaria la postura de evitar emitir públicamente un juicio destructivo, pues se niega a permitir un aumento desmedido de sus niveles de egosterona.

2. Del mismo modo, el crítico-acrítico evitará generar e imponer cánones de  representación adecuada puesto que es consciente de su posición subjetiva en un oficio que está altamente relativizado. Acéptese todo esto, porque al defender su posición a capa y espada dará como resultado un inevitable e innecesario aumento de sus, tan cuidados, niveles de egosterona.

3. Así, el mismo acto de escribir acerca de sus concepciones estéticas ya es de hecho un signo del aumento de su egosterona, por lo que, en cuanto a crítica pública se refiere; el crítico-acrítico guardará silencio. Que lo hagan otros (A ver a cómo está la sensatez).

4. Alguien preguntará ¿Sumisión?

5. No, –pensará el crítico-acrítico–  prudencia.